Quien ama la vida, ama el Cine.

Quien ama la vida, ama el Cine.
El cine es como la vida,pero vista a traves de la subjetividad de un lente.

lunes, 16 de julio de 2012

Rostros Infantiles del Cine :

Pequeños Genios de la Interpretación.

En este nuevo repaso cinéfilo, nos hemos concentrado en destacar, los rostros infantiles que han dejado huella en cinematografías europeas y norteamericanas, tanto de estos tiempos como de otras épocas. 
El objetivo central es que, ustedes tengan una orientación práctica, considerando sus películas fundamentales, sus estilos particulares de enfrentar las cámaras y sus arquetipos, donde han demostrado que, el trabajo arduo tiene sus recompensas a corto plazo.
Como siempre, hemos intentado ampliar la visión a distintos países, como una manera de entender, que el lenguaje audiovisual es integrador y globalizador.

Nuevos Rostros.

Thomas Doret :
El niño de la bicicleta






El cine belga tiene en los hermanos Jean Pierre y  Luc Dardenne, a sus cineastas más destacados del momento. Con una carrera que rescata la realidad a la manera del neorrealismo italiano, los Dardenne han logrado una filmografía coherente y unipersonal, donde no escapan los temas relativos a la infancia y la adolescencia. 
Su última obra, "El Niño de la Bicicleta" ( "Le gamin au velo, 2011 ), ganadora del Festival de Cannes, reveló el potencial histriónico del niño actor Thomas Doret ( nacido en el 2000 ) que, contando con sólo once años de edad, en el período del rodaje, se metió con credibilidad en la piel de Cyril, un chico abandonado por su padre y que decide buscarle, bajo una falsa promesa de compromiso filial.
Doret es un niño sin experiencia previa en la actuación, que los Dardenne eligieron entre 300 aspirantes al papel central de su nueva obra.
Jean Pierre recuerda : "Les solicitamos a todos los candidatos una prueba de la primera escena de la película. Y había un teléfono, y tenían que esperar a que su padre respondiera. Debían simular impacientemente escuchar la voz de su padre. Es todo lo que les dijimos y los grabamos así. Y cuando filmamos a Thomas y le vimos, tuvimos el sentimiento de ver a alguien, que acababa de tomar el teléfono con total realismo y seguridad. Y lo hizo con una intensidad tan grande, que pensamos que podía interpretar el papel de Cyril. Después comenzamos a repetir con él, 45 días antes del rodaje." 
( Revista "Fotogramas", España ).
En efecto, Doret es extraordinario, al manejar sus recursos expresivos frente a la cámara. Natural, espontáneo, expresivo, lacónico, distante, pero sobretodo creíble.
 
Sus paseos con la amiga peluquera ( Cécile de France ).
 
Doret sabe encantar con su personaje, gracias a su humildad y espontaneidad.


Escena característica del filme.
 
El actor infantil con el teléfono que le dió el rol central. Fíjense en su mirada introvertida.
 
Este nivel de sensaciones primarias, están presentes en dos escenas claves de la película, que sugieren casi sin diálogos, la orfandad del muchacho, su soledad  y desprotección.
La primera vez, la escena está acentuada por la nula afectividad, que siente su padre por él. Condicionado a mostrarse interesado en que éste le acoja, acude a verle con su única amiga adulta ( Cécile de France ), la dueña de una peluquería, que por accidente se toma con el niño durante una de sus fugas. El padre trabaja como "maitre" en un restaurante. Cyril le toca la puerta, una y otra vez, le busca desesperadamente.Sube una pandereta para comprobar que está dentro. No se da por vencido hasta que le encuentra, mientras prepara algunas delicias. El intercambio de diálogos desde un principio, acentúa las distancias que marca el hombre con su hijo. 
En este punto, Doret trabaja la expresividad de su cuerpo y el manejo de sus diálogos, en función de mostrarse "querido", aceptado y protegido. Esfuerzos vanales porque es una ilusión. La ilusión de "la  familia feliz", esa mágica relación filial, que se esfumó para él con la pérdida de la madre.
Cyril necesita urgentemente cariño, entrega y atención, para no sentirse vulnerable y abandonado. Doret intensifica las presiones de la pena en su actuación, con sólo demostrar que está cohibido, vejado e indeseado. Su rostro de mirada taciturna, reniega cualquier situación de distanciamiento.
El tipo reniega de él, desea rehacer su vida con otra persona y alejar a su propio vástago de su vista. El pertenece a otro estadio de su vida. Una mirada cruel de quien no asume la paternidad como una obligación y un derecho.
Doret se muestra realmente fracturado, roto, desolado, pesimista, cuando de vuelta a la casa de la peluquera que lo acoje, rompe en llanto en el automóvil, con la mujer que le acurruca en sus brazos y le entrega el afecto ausente. Extraordinaria la opción de los Dardenne por evitar mostrar el rostro del chico llorando. Sólo bastan en esta escena los gestos, la insinuación del dolor, la posición de los cuerpos y el sentimiento transmitido desde el observador que va con ellos atrás del auto, para transmitir todo el sentimiento de pérdida y angustia que existe en el niño. Notable.
 

Compartir la merienda en un paseo frugal, afianza la relación del niño con la que será su madre.


La relación prohibida que él acepta erróneamente.


Con su eterna compañera : la bicicleta, arriba de un bus.

Explorando el mundo hostil, en busca del afecto filial ausente.
 

Doret de vuelta al colegio, hablando de su experiencia en cine.


Recibiendo un premio por su actuación.

La segunda vez, Doret es trabajado como un "burrero" por un joven narcotraficante, que espera acepte el negocio de robar para subsistir. La opción tiene sus riesgos y el niño ingenuo, incapaz de precedir el futuro, se integra, lo entrenan para cometer el delito y cae en un accidental hurto, donde deberá comparecer ante la justicia. Con su amiga, debe pedir el perdón a sus víctimas. Con el estilo contenido al máximo,  - una de las características del cine de los hermanos belgas - , Doret le da la mano al asaltado, solicitando su perdón. Este le devuelve con frialdad el gesto. Las dos partes firman el comparendo y la fianza que lo deja en libertad vigilada al muchacho, bajo la tuición de la peluquera.
El niño expresa sólo con sus gestos, sus miradas y su corporalidad la tensión del momento. 
Cierto que, los Dardenne prepararon al muchacho con gran dedicación y esmero. Pero es virtud personal del chicuelo, hacer natural y aceptable una secuencia compleja, por el nivel de abstracción y de sentimientos que fluyen en esos momentos en la exposición de la situación.
Realmente, estamos en presencia de un actor nato. Un niño que después de la parafernalia del "merchandising" de la película, se reintegró a su Escuela a seguir su Enseñanza Básica. 
Ojalá en vacaciones sus padres le dejen volver a la actuación. Es un talento mayor que no hay que perder de vista. Bien orientado y educado, puede dar grandes dividendos a la causa de la actuación infantil.

Ivana Baquero :
En el laberinto de la actuación.




Dentro de la pléyade de actores y actrices españoles, surgidos este nuevo milenio, el nombre de Ivana Baquero ( nacida en 1994, en Barcelona, España ), debe ser uno de los más promisorios, considerando su notable reconocimiento internacional con la película "El laberinto del Fauno" ( 2006 ) de Alex de la Iglesia.
Para sorpresa de muchos, Ivana no se quedó en su Madre Tierra haciendo papelitos de compromiso personal, y se fue a Estados Unidos donde ha tenido la ocasión de actuar con Kevin Costner en "La Otra Hija" ( "The New Daughter", 2010 ).
Ha hecho seis largometrajes, y algunos cortos como el reciente "The Red Virgin" ( 2011 ), su último trabajo.
Baquero es una niña con talento afrodisíaco. Como Ofelia en "El laberinto del Fauno" pasaba por casi todos los estados de ánimo, notablemente sugeridos por esa manera de actuar frente a cámara, como si no estuviera nadie con ella.

En "El Laberinto del Fauno" : sabía ser contenida pero muy astuta y sagaz.


Frente a uno de los monstruos del laberinto fantástico.

 
Lo onírico y surrealista caracterizan el filme de Alex de la Iglesia.


En "La Otra Hija", actuando con el mismísimo Kevin Costner.


Ivana es una jovencita muy apuesta y versátil.

 
Actualmente, la actriz preocupada casi exclusivamente de sus estudios.
 
La chica sabe impostar la voz. Tiene excelente pronunciación. Remarca bien los díalogos que son más trascendentes de la obra, y en fin, se administra con soltura en los espacios de la puesta en escena. Certera y perspicaz, sabe ser puntillosa y saladilla, como dirían en España.
Recuerden la escena cuando se encuentra con el monstruo que vigila el laberinto. Casi angelical, totalmente sometida al papel, nos transmite su dolor y tragedia, sin necesidad de sobreactuar. Ella es conciente que la cámara le busca la expresividad en el rostro. Por tanto, se doblega a ella.
Baquero ha crecido con aire de mujer mediterránea, de piel morena y blanca, sensual y maravillosa.

Maxence Perrin :
Hijo de Tigre.




Los fanáticos de la "nouvelle vague" francesa recordarán al eximio actor Jacques Perrin, que hizo tantas películas de esa generación maravillosa de cineastas personales, y que popularmente se le recuerda como el protagonista adulto de "Cinema Paradiso".
Es el padre de Maxence Perrin ( nacido en 1996 ), un niño que trae en sus genes toda la fuerza simbólica del actor consumado. Y es que, hay que verlo actuar, para comprobar como crece y se desarrolla profesionalmente.
Debutó en "For Interieur" ( 2004 ), un corto en blanco y negro, donde en ambiente playero, se destaca por su simple carisma.
Después vino su rol emblemático, por el que es más recordado, el pequeño Perinot de "Los Coristas" ( 2004 ), una acaramelada y nostálgica cinta, que le sigue la vida a un profesor de música en un internado durante la Segunda Guerra Mundial.
Maxence está espléndido, pese a contar en el rodaje, con sólo siete años. No sólo condiciona su rol de niño huérfano a un rostro melancólico, siempre expectante, atribulado y algo convulso. Sino que, entrega pistas suficientes, para entender el universo en que viven todos sus compañeros de juerga.




Maxence en "Los Coristas" siempre aparece melancólico.


El niño con su profesor que terminará adoptándolo.
 
"Los Coristas" : la toma general que sirvió de afiche para la película francesa.


"Faubourg 36" : Maxence como artista callejero, en una espectacular comedia musical.


Tocando el acordeón en una improvisada jornada callejera.
 

Maxence privilegió el estudio a la actuación, desde el 2008.
"Los Coristas", juega con las emociones más básicas, utilizando buenas cartas a su favor : notable fotografía y música coral "ad hoc", una serie de conflictos menores y un esfuerzo loable, por entregarles a los niños la experiencia del amor por la música, a partir de su participación en la formación de un coro de ángeles.
Maxence está siempre vulnerable, casi al borde la extinción. Su figura chiquita, frágil, imperceptible, pues se trata del más pequeño de los alumnos del curso, está al amparo de las expectativas de un profesor que terminará doblegado por el amor de esta criatura.
Perrin sabe trabajar los "tiempos muertos", esos momentos de celuloide, donde parece que no va a ocurrir nada, y pasa lo contrario. El incendio provocado del matón de turno, despliega nuevas fuerzas en el profesor, que termina subyugado con la creatividad y las voces de sus educandos. 
Maxence somete la sorpresa del momento, a sus idas y venidas por el campo. Como si se tratara de un indómito chiquillo de fuerte corazón y carácter adulto.
Hay en el niño un acertivo uso del lenguaje francés. Modula las palabras con encantadora dulzura y le integra salidas espontáneas, que provocan en más de una ocasión, la humorada sana y festiva del grupo de actores jóvenes.
Después Maxence continúo su carrera con la película "Faubourg 36" ( 2008 ), una espectacular producción gala acerca de un grupo de artistas ambulantes de teatros y bodeviles. El niño encarna a otro huérfano de la guerra, pero ahora está más grande, más suelto y decididamente versátil, pues llega hasta tocar el acordeón e improvisar una actuación frente a público.

 
Papá Jacques y su hijo Maxence.


Maxence hoy, dedicado a otros menesteres lejos del cine.
  
Por el momento, la carrera de Perrin hijo está en suspenso. Dicen que privilegió la Escuela, porque actuar le resta mucho tiempo para estudiar y hacer una vida normal de niño travieso.
Seguramente, la actuación podrá más, una vez que termine su enseñanza secundaria. Como su padre, el chico tiene el fulgor de los actores consumados.

Lina Leandersson :
Para Siempre, Niña Vampiro. 






Nacida en Falun, Dalarnas, Iän, Suecia en 1995, la actriz Lina Leandersson alcanzó el estrellato mundial con una sola película, "Criatura de la noche" ( "Lät den Rätte Komma In", 2008 ), cinta de culto entre los fanáticos del terror moderno.
Es que no podía haber otra como contraparte de Käre Hedebrant. La niña está estupenda. Su rostro de chica coloquial, guarda la tragedia de vivir más de doscientos años, sin jamás envejecer, ni ver la luz del día. 
Lina acudió a las pruebas del "casting" , escribiéndoles por Internet a los productores que buscaban una chica para el papel de una vampiro. Ella misma señaló en una ocasión, que le encanta el género terrorífico. 
Su experiencia anterior en teatro amateur y el jazz dance, le revelaban como una chica con talento artístico. Su rol en la cinta, no puede ser más trágico. 
En principio, si recuerdan la película, ella se hace amiga y vecina del muchacho que sufre "bullyng" en el colegio. Sus encuentros son accidentales, sorpresivos, atípicos. En una plaza a treinta grados bajo cero, grabando con ese frío, y haciendo creíble lo increíble. 
Lina y Käre parecen ser la plasmación de una pareja maldita de película dramática. Existe en ellos, un dejo de humildad, encubierta por la sed de sangre en ella, y el flujo del despertar sexual en él. Pero también  se produce una química. La muchacha sabe ser fiel amiga y defensora del débil chico. Asume que tratará de no moderlo, aunque se tenta en alguna ocasión. Su supervivencia, dependerá de su relación con el niño.
En cierto sentido, uno no puede sobrevivir sin el otro. Son como las caras de una misma moneda. El blanco y negro de la real afectividad amorosa. La plasmación más subjetiva entre un ser de sangre caliente y uno de sangre fría.
 

"Criatura de la Noche" : Lina y Käre en la consumación dolorosa de su relación de amistad.
 

Transparente como un cadáver,con la sangre brotándole a litros en los momentos de tensión.



Durante la premiere de su película vampírica.

Recibiendo uno de los numerosos premios por la película y su actuación.


Lina en casa junto a su madre, que no se deja ver por el diario.


Compartiendo el sueño con su vecino mortal.


Rodando una nueva película "Tenderness", Lina y el equipo de filmación.

 
Lina está soberbia en "Criatura de la Noche", porque se desdobla en dos personajes dicímiles con total ajuste de convicción. Nada es sorprendente para ella. Todo es grato en la amistad, trágico en el amor, y supérfluo en el tiempo. Cuando ataca a un transeúnte desorientado, se le monta como un animal salvaje, con la seguridad de clavar sus colmillos en la yugular, que le dará unos días más de vida. Es la tragedia de " Nosferatu", "Drácula"y sus sucesores, extendida a los tiempos modernos, con esta chica que deambula en la oscuridad de la noche, buscando indefensos transeúntes, que le restituyan la ansias de seguir viviendo. Käre es la salvación divina. A través de este personaje, Lina expurga miedos atávicos y los recicla con la mirada del espectador contemporáneo.
"Criatura de la noche" nos puso en contacto con un cine sueco, que renueva desde su óptica, los esquemas clásicos del terror.  A la eterna tragedia del sonámbulo vampírico, Lina agrega ahora la desdicha de la adolescente huérfana, que busca el amor incondicional, no por su apariencia, sino por la urgencia de sus verdaderos afectos. En estas potencialidades, Lina trabaja excelentemente el manejo de su expresividad. 
Cabe recordar que, se trata de niños sin experiencia previa en cine, que partieron con esta notable película de amor y terror. Piensen en el trabajo significativo que tuvieron ambos protagonistas, para transmitir con absoluto rigor y perfeccionamiento, los sentimientos más profundos de esta relación subhumana, fantástica y dolorosa. 
Hay en toda esta actitud, al menos por parte de Lina, una entrega que se refleja en las escenas de la muerte en el hospital de su amigo adulto ( que en el libro original es un pedófilo ); y en el crecimiento amoroso de la relación con su vecino infantil, más dispuesto a dar su vida por ella, como ella por él, en el infinito resquemor de la tragedia mundana.
Un notable trabajo interpretativo, ampliamente reconocido en festivales internacionales. 
La carrera de Lina continúa, con dos películas en proceso de filmación : "Tenderness" ( 2012 ), un drama de Sofía Norlin, y "The Arbiter" ( 2012 ), otro drama de Kadri Köussar. En el primero tiene un rol estelar, no así en el segundo, donde desempeña un papel secundario. A juzgar por los adelantos de prensa, Lina afianza una trayectoria en el cine, que se vislumbra promisoria.

Käre Hedebrant :
Amigo entrañable de la niña vampiro.




Difícil predecir que instancias más significativas , asumirá el actor y músico Käre Gillis Hedebrant ( nacido en 1995 en Estocolmo, Suecia ), en su proyección artística hacia el resto del mundo, una vez que termine la enseñanza secundaria. 
Lo cierto es que, Käre nos resulta a la distancia un joven muy familiar, simpático, multifacético, tremendamente inteligente, extrovertido, independiente y enérgico. 
Estudia actualmente en el "Adolf Fredrick"s School of Music" de Estocolmo, y vive para sus éxitos musicales, su pasión por la actuación, los comics, el rock, la televisión y el mundo cultural. Se trata, sin duda, del prodigio sueco más importante de estas décadas ; denostado por su apariencia demasiado estética, crítico certero de los clichés del mundo de las estrellas, y absolutamente libre de ataduras que intentan encasillarlo dentro de los cánones de la belleza celestial hollywoodense.
Käre siente que, su arte es más que un mero gesto facial para romper corazones, quizás porque en su vida, lo trataron siempre por su apariencia, cuando en realidad es un intelectual de tomo y lomo. 
Su amor por el rock llega a tanto, que en el Colegio donde está estudiando, actúa  frecuentemente interpretando canciones propias y de grupos de rock duro que están de moda a través de la MTV. El chico tiene rabieta y se le nota. Sus últimas presentaciones grabadas por las fanaticadas y subidas a "You Tube", le muestran con furia camaleónica. Käre ama el rock y lo demuestra en el escenario. No sólo sabe pronunciar inglés con la exquisita dicción de los británicos, sino que se atreve a destruír parte de la imagen de niño bueno y bonito con perfiles de airada rebeldía.
Sin embargo, su paso por el cine ha sido de dulce y agraz. 
Debutó cuando tenía doce años en la clásica "Criatura de la Noche" ( "Lät den Rätte Komma In", 2008 ), donde todo el peso dramático de la historia recaía en él. Su mirada azul perdida en las nieves eternas de la hermosa Estocolmo, contrastaban con la frigidez nauseabunda de Lina Lendersson como la niña vampiro, que sale en la noche a matar para sobrevivir.

 
"Criatura de la noche" : el debut y la consagración del joven artista.
 
Amor eterno, amor, Käre se desangra por la chica vampiro.

En la escuela es el último en irse por temor al "bullyng".
 
La nieve es un elemento ambiental característico del conflicto.

 
Käre en su nativa Estocolmo. Un muchaco supercreativo y multifacético.


"Amors Baller" : disfrutando de las bondades de Noruega, con sus compañeros de rodaje.

 
Practicando fútbol en los descansos del rodaje.

Su amor al rock, al comic y a la actuación perfilan un futuro prometedor.


Su último trabajo para la serie televisiva "Äkta Människor" como "Tobías".


Käre tiene varios momentos inolvidables en la película. Su encuentro con el padre en la campiña nevada, sus gestos y acciones abrazando el sueter de su progenitor, la manera de encausar el personaje a tramos dramáticos realistas, complementan una interpretación prodigiosa. Piensen que Käre tenía doce años . Había actuado en obras de teatro infantiles basadas en los libros de Astrid Lindgren. Pero en el cine, demostró que su virtud estaba en lo dramático.
Käre fue la película. No sólo un complemento a sus acciones con la muchacha sobrenatural. Era más que eso. Recuerden esa otra secuencia de Käre en la piscina a punto de ser ahogado por sus compañeros rivales, que lo detestan justamente por su belleza y esa mirada cándida de hijito de mamá.
Käre inocentemente le sigue el juego, al compañero que le coloca música en la radiocasetera. Esta feliz, entrenando baile en el agua. Juega con sus manos y pies dentro de la piscina con una sonrisa inocente. Hasta que llega el matón de turno y le condiciona la respiración bajo el agua con la intención de matarlo.
La imagen de Káre es inolvidable, porque instuímos su melancolía de niño golpeado en la escuela y vilipendiado en la familia. Es un paria que necesita urgente un brazo firme que le ayude en sus correrías por un mundo injusto. Lo encuentra en Lina como la niña vampiro.
El tono dramático le acomoda bien al muchacho actor, aunque después demostró que también sabía reírse de las circunstancias.
En efecto, "Amors Baller" ( 2011 ) coproducción noruega- sueca, lo trajo de vuelta a la pantalla, más relajado, juvenil, tierno, dubitativo frente al sexo opuesto, tímido y coloquial.
Pero está notable. No sólo porque tiene una apariencia agradable en el papel del chico emigrante, que llega a un país que desconoce, sino porque se encarama a efectuar todo lo que nunca  ha probado : su amor por el fútbol, su salida furtiva en paños menores detrás de su pareja y su correspondencia adolescente hacia las mujeres. Es cierto que la película explota la belleza de los paisajes y de sus protagónicos. Pero hay que reconocer que el talento fluye en cada escena, donde Käre hace de cómico deportista, rebelde aventurero y adolescente sexualmente entrenado para hacer lo suyo, satisfaciendo las expectativas de las féminas protagonistas.
La película es una comedia deportiva sobre el mundo del futbol, breve, rápida, certera, un pasatiempo veraniego que se deja ver por los hermosos paisajes y chicas del conjunto, pero que uno aprecia también por la actuación de sus jóvenes protagonistas. Sin embargo, no tuvo el éxito esperado.
Por lo mismo, Käre se dedica a salir por estos días en la televisión. Apareció el año pasado, en la serie "Año 1790" y este 2012 lo tenemos como actor estable en la serie "Äkta Männ Iskor", de gran audiencia entre los teleespectadores suecos.
Esperamos que esta opción sea momentánea, mientras recibe ofertas interesantes de trabajo. Sin duda, el chico se lo merece. Tiene talento, oficio y unas ganas de cultivarse en varios ámbitos del medio artístico. Multifuncional como los preparan en la educación sueca. 




Rostros Clásicos.

Dean Stockwell :
Ternura Cotidiana.






Antítesis del niño bonito de Hollywood - rubio con cara de angelito-, el actor Dean Stockwell ( nacido en 1936, en Hollywood, California, EEUU ), representó para el cine norteamericano de entreguerras, una bocanada de aire fresco difícil de olvidar. Carismático a rabiar, moreno, con rostro de luna y boca de bebé, sus papeles fueron siempre más cercanos al espectador, por su apariencia de niño de barrio y pícaro natural, siempre espontáneo y extrovertido.
Llegó al cine, después de una breve aparición en el drama "The Valley of Decision"( 1945 ), en un rol hecho a su medida : en el musical MGM  "Leven Anclas" ( "Anchors Aweigh", 1945 ), donde interpretaba al sobrinito ladilla de Kathryn Grayson, que intentaba conquistar a dos marinos de asueto : Gene Kelly y Frank Sinatra. 
Stockwell está colosal, cuando se desmadra. Sus "salidas" no sólo son espontáneas, sino vivificantes, en la medida de fortalecer las simpatías que ambos marinos sienten por la chica.
De gorrito marinero, se lanza a la aventura de la actuación con gracia y naturalidad. Después tuvo otro rol magnífico en "Los Verdes Años" ( "The Green Years" 1946 ), especie de revisitación de los anhelos y frustraciones generacionales en clave de drama de época. Más acertivo y buscavidas, hacía un rol más utópico, el del rebelde, que quiere desplegar sus alas antes de crecer y convertirse en un profesional destacado.



Con Kathryn Grayson en "Leven Anclas".
  
Con el marinero cantante, Frank Sinatra en "Leven Anclas".


"El Jardín Secreto" : Dean haciendo de minusválido junto a Margaret O"Brien y Brian Roper.
 


"Los Verdes Años" : el niño y su mascota fiel y amistosa.


Más tarde, vinieron sus papeles más emblemáticos, por los que se le recuerda en esta etapa de su carrera.
Fue el hijo de Gregory Peck en el relato antisemita, "La Luz es para todos" ( "Gentleman"s Agreement", 1947 ), donde apareció vulnerable al trato de sus demás compañeros de clases, una vez que, éstos se han enterado de los probables orígenes judíos de sus padres. 
Pero también, fue más susceptible a hincar el diente en el melodrama moderno. Parecía cualquier chiquillo de clase media, querendón de su familia, suficientemente aplicado en clases y cotidiano a los márgenes de su propia realidad. Así, pasó de un drama típico como "Huérfano del Mar" ( "Deep Waters", 1948 ), a una cinta de aventuras como "Down to the Sea in Ships" ( 1949 ), o a un western con trasfondo dramático en "Stars in My Crown" ( 1950 ).
Entremedio , sendas actuaciones tuvo en: "El Jardín Secreto" ( 1949 ), una subvalorizada versión sobre el cuento clásico de Frances Hodgson Burnett, que se destacaba por su fina concepción del mundo infantil. La película se construía en base a personajes infantiles, a partir de un chico minusválido ( Stockwell ), que habita en la oscuridad de una enorme mansión en Gran Bretaña, y que, su prima, Margareth O"Brien ayuda a reforzar en su sicología para su posterior restablecimiento físico.
Dean estaba notable, en el cenit de sus capacidades interpretativas. En una escena, grita, llora, arma un berrinche grandioso, para pasar luego al consuelo de su prima, con notable quietud, una paz interior que hace revelar el cambio en el personaje. Cuando cambian del blanco y negro al color, imitando a "El Mago de Oz", con esta franquicia estética para mostrar , la enorme belleza y luminosidad del jardín secreto recuperado en todo su esplendor, Stockwell está brillante, no cabe en su sano juicio, y vuelve a caminar sin la ayuda de silla de ruedas o muletas. 
Después trabajó en "El Niño de los cabellos verdes" ( "The Boy with Green Hair", 1948 ), una parábola moral acerca de la guerra con la amenaza de la hecatombe nuclear.
Su "partenaire" fue el gran Pat O"Brien, que hace de tutor con la sabia de la vieja escuela. En un momento, Stockwell se deslumbra cuando amanece con la pigmentación verdosa en sus cabellos oscuros. Ataviado con sólo una toalla en el espejo del baño, ironiza con su apariencia. Una escena calcada décadas después por "Mi Pobre Angelito".  Gesticula, se peina, se rié y saca la lengua como si se tratara de un serafín, travieso e indomable.
Más adelante, se topará con el mensaje pacifista de la obra, cuando se encuentre con un grupo de niños mártires de la guerra. 
Stockwell sabe ser contenido, pero también emotivo. Y aquí lo demuestra en buena lid.
 

"Kim de la India" : actuando de hindú junto a Erroll Flynn.


En "Kim , de la India", Stockwell sabe ser intrigante y aventurero.


Guiado por un gran sherpa, conocerá la mendicidad y la astucia para sobrevivir.


Leyendo el libro en que se inspiró "Kim".


Tal como apareció en : "El Niño de los cabellos Verdes", una metáfora antibélica dirigida por Joseph Losey.



En un western dramático, Stockwell repitiendo sus dotes para este género.




En "Compulsión", uno de sus mejores roles de juventud.


Dean en la actualidad, todavía trabajando como en su niñez.


Con la seguridad de los años, el actor interpretó el papel central de "Kim de la India" ( 1950 ), basado en el relato de Rudyard Kipling, que cuenta la historia de un niño hindú educado en una exclusiva Escuela Británica en Calcuta, que ayudó a las tropas inglesas a detener el curso del conflicto. 
Stockwell se maquilló moreno y con turbante, para revelarnos la esencia de su trabajo interpretativo. No sólo está "monísimo", sino interesante, reflexivo, natural, gozoso, pícaro, andariego, místico y hasta trascendental, montando a caballo con el inolvidable héroe del cine de aventuras, Errol Flynn.
Fue el cenit de toda su carrera interpretiva infantil. Porque después asumió distintos roles de niño mimado de mamá o papá, adolescente transfuga, joven aventurero y rebelde juicioso.
Hasta su madurez. Es el único que, desde los tiempos del "star system" hollywoodense, se ha mantenido activo y en forma. 
Hasta el 2009, ha hecho 193 películas de cine y televisión, repartidos en largos y cortos, series de televisión, colaboraciones especiales y telefilmes.
Para la pantalla grande, recuérdenlo ya adulto, en sus notables apariciones en películas como : "Compulsión", "Sons and Lovers",  "París-Texas", "Terciopelo Azul", "Sandino", "Duna", "El Pez Gordo" y "Casada con la mafia", entre otras, que vinieron a cimentar una reputación ganada con talento, esfuerzo, trabajo y constancia.
Sin embargo, para efectos de esta ocasión, Stockwell siempre lo recordaremos como el niño más cercano a nuestra propia existencia. Afable, sincero, espontáneo e irascible. Todo un astro del cine norteamericano.

Claude Jarman Jr.:
Por Amor a los Animales







Rubicundo, alto ( mide 1,91 m.), desgarbado y grácil como una gacela, Claude Jarman Junior ( nacido en 1934, en Nashville, Tennessee, EEUU ), saltó al estrellato con una obra familiar querible : "El Despertar" ("The Yearling", 1946 ), bucólica recreación de la vida rural del interior de Florida, que cuenta la historia de la amistad de un niño, casi adolescente, con un cervatillo, que domestica en su rancho. Se trata de una historia que acontece después de la Guerra Civil, y es sobre los pioneros que poblaron el interior del país.
La cinta cuenta con la prodigiosa incorporación del "Technicolor" en su máximo apogeo, cuando Natalie Kalmus colaboraba como asesora de color en las producciones MGM, dándoles un toque estilístico arrebator y hermoso. De hecho, la cinta se abre con la imagen de Claude Jarman Jr, jugando con un barquichuelo en un río pequeñito donde retozan los mapaches. 
La cámara - grúa de la Metro, utilizada en los musicales, le sirven al director Clarence Brown, para trasponer la belleza natural del paisaje pantanoso con la brillante faz del muchacho, impío, bucólico, libre como el cervatillo que adoptará, con el riesgo que supone domesticar a un animal salvaje.
Gregory Peck y Janet Wyman, están inolvidables como los padres del niño. Pero los momentos más logrados de este drama costumbrista, que es también una certera lección de vida, están dados por la actuación del joven prodigio.
Recuerden la escena, cuando papá sirve de modelo a la mamá que está probando el vestido que ella lucirá en una fiesta. Irrumpe desde afuera en la casa de madera, el saladillo Jarman Junior. Uno instuye, que el niño intentará reirse de su padre vestido con faldas, pero la situación está muy bien contenida.
Claude asume la situación con distancia y modestia fingida, para lanzar después sus irónicas  humoradas viendolo así, vestido como una chiquilla.
Después de una mojada, Claude seca sus nalgas en la chimenea. Juega con la ironía, con gracejo, y logra compenetrarnos en la piel del adolescente, en fase de crecimiento. Díscolo, travieso, saladillo, irónico, mordaz, tierno y sensible.
Otra escena inolvidable, es cuando deben salir a cazar un oso furtivo. La secuencia de la persecución, está rodada con tal maestría, que uno aparece como un tercer compañero de correrías en la búsqueda del animal. Y cuando lo hallan, se traba el rifle, que al dispararse golpea a Peck y lo deja herido de consideración. Jarman salta a uno de los árboles, con una destreza acrobática y se alía a él, con todo el terror que le embarga.El mocoso sabía extraer de los momentos cruciales de la trama, todos sus recursos expresivos que le llevaron a obtener el Oscar como Mejor Actor de Revelación Juvenil.


















"El Despertar" :Secuencia de fotos con  toda la belleza del paisaje y del niño, que mira a la cámara con abierta complicidad.
 

En una foto promocional de la película.

"El Despertar" es una obra didáctica, llena de sugerencias visuales e idiomáticas. Recuerden la dicción de Jarman Junior, como un niño granjero con fuerte acento sureño, pícaro mozalbete, que se sale con la suya casi siempre, revolviendo los conceptos tradicionales de una familia acostumbrada a seguir las normas al pie de la letra.
Magnífico actor juvenil, regresó al cine con cuatro películas arquetípicas, que fueron hechas principalmente para el consumo del público americano : "High Barbarie" ( 1947 ), drama bélico con Van Johnson y June Allyson, donde interpreta a un chico díscolo de catorce años; "The Sun Comes Up" ( 1949 ), drama familiar con Jeanette McDonald y Lloyd Nolan como un cándido y adorable adolescente de clase media americana ; "Roughshod" ( 1949 ), drama romántico con Robert Sterling y Gloria Graham y "The Outriders" ( 1950 ), un western romántico con Joel McCrea y Arlene Dahl, que funcionaba bien como pasatiempo de fin de semana y donde repetía éstos arquetipos de niño jovial.




"The Sun comes Up" , junto a Jeanette McDonald y Lloyd Nolan.


En la última etapa de su carrera cinematográfica en westerns, dramas y aventuras.



"Intruso en el polvo" : Claude junto al gran actor de color, Juano Hernández.



En "Río Grande", tuvo la ocasión de actuar junto a John Wayne, bajo la dirección del maestro John Ford.



Recibiendo el Oscar en 1947, con Harold Russell y Shirley Temple, que sirvió de maestra de ceremonias.



Claude Jarman Jr.,hoy día, visitando los parajes naturales donde se rodó "El Despertar".( Foto gentileza: Archivo Florida).


Más adelante, filmaría su segunda actuación brillante, otra vez bajo la dirección de Clarence Brown, en el melodrama antirracial "Intruso en el Polvo" ( "Intruder in the dust", 1949 ). 
Contando con el magníco actor de origen portorriqueño Juano Hernández, desarrolla el papel del hijo de un abogado( David Brian ), que debe jugársela por defender a un campesino negro, inculpado falsamente de asesinato en un pueblito del Mississippi de los años cuarenta.
La película estaba basada en una novela de William Faulkner, que colaboró también en la confección del guión.
Claude Jarman Jr.,está descollante, simulando todo el resquemor de la injusticia, la insurrección del que cree que las cosas son injustas y decide hacer algo para cambiarlas con nobles resultados. 
Más tarde, vendría su tercera oportunidad de demostrar su talante de buen actor con el western clásico "Río Grande" ( 1950 ), del maestro John Ford.
En esta película, Claude interpreta al hijo adolescente de un militar de carrera ( John Wayne ), incomprendido y vilipendiado por su padre y sobreprotegido de su madre ( Maureen O"Hara). Y que en una de sus incursiones por demostrar que está hecho un hombre, se sube a galope de carrera romana, en unos caballos furtivos. 
Jarman Jr., entre misiones peligrosas, entrenamiento sacrificado y amistad a toda prueba, doblegará su propio destino de "hijito de mamá", convenciendo al padre que ya ha madurado lo suficiente, para hacerse cargo de su propia existencia. 
Su última película será "The Great Locomotive Chase" ( 1956 ), un western anodino, donde repite algunos de sus "tics" característicos.
Después sólo volverá a la pantalla, para trabajar de invitado en dos series de televisión. 
Atraído por la vida intelectual, fue Director de Cultura en San Francisco. También se casó tres veces, formó familia y cosechó sus laureles de niño prodigio en sendos homenajes posteriores. Uno de ellos, cuando al cumplir 75 años del Oscar, aceptó participar reapareciendo en público, con unos kilitos de más, pero su rostro inconfundible de viejo sureño, identificado con un cuento tradicional inolvidable.
Hace poco tiempo, viajó a los lugares donde se rodaron algunas escenas de "El Despertar", y dejó de testimonio sendas fotografías, algunas que reproducimos en esta ocasión. Justo homenaje para uno de los niños prodigios de la MGM, que con su presencia marcó toda una época del cine juvenil norteamericano.

Didier Haudepin :
Un Amigo Particular. 






Si algo define  la trayectoria del niño actor Didier Haudepin ( nacido en 1951 en París, Francia ), es su exagerada madurez en los temas que casi siempre le tocó interpretar en pantalla. Desde su debut, en la notable "Moderato Cantabile" ( 1960 ), de Peter Brook, donde hacía del hijito de Jeanne Moreau, hasta sus posteriores éxitos en películas de culto, donde debió armarse de enorme talento, para enfrentar los designios de conflictos engorrosos, este prodigio nos demostró que el cine también está hecho para genios púberes.
Su segunda película, le consagró a nivel internacional. En efecto, "Las Amistades Particulares" ( "Les Amitiés particulieres", 1964 ) de Jean Delannoy, basada en el polémico libro de Roger Peyrefitte, construía el drama del despertar adolescente a la homosexualidad, afirmado en su sensible y escrutadora belleza infantil. Didier era candoroso, travieso, dúctil, sereno, apasionado, y tremendamente servil a los designios de un muchacho, que se inspira en su imagen, para mandarle cartas con poesía romántica.
La película causó polémica en todas partes donde se exhibió, porque además, se ambientaba en un colegio católico, donde eran particularmente sensibles al tema de la pedofilia encubierta, o mejor dicho, de la pasión desbordante de un adolescente por un niño frágil y simpático. 
Didier a su forma, interpretó magistralmente el papel central. Y ni se inmutó en las escenas más difíciles. Toda la secuencia del almuerzo, donde el niño se admira de los regalos de su compañero de escuela, y sus posteriores encuentros ocultos, donde se profesan amor infinito, está dentro de lo más desbordante y bello filmado respecto a este polémico tema. 


"Moderato Cantabile" : el inicio de una carrera, prodigiosa en el cine europeo.


"Las Amistades Particulares" : donde brota el amor fatal incentivado por el arte.


La mirada cómplice durante  la misa.
 
De la admiración casi paternal, al amor prohibido.


Sufriendo por un amor imposible en el tren.
 
 
La sugerencia homosexual explícita, se asume dentro de un juego de coqueteos y caricias lejos de los demás.


Las sugerencias visuales pueden ser fuertes en "Las Amistades Particulares", pero Delannoy acondiciona la imagen a Didier, a su esteticismo arrebatador de niño cohibido por un amor poético. 
Hay en todas las secuencias finjidas de sus encuentros, una sensibilidad que no es homosexual, sino más bien pura estética, pictórica, casi surrealista. Todo ello, convierte a esta obra maldita, es una película notable, cuyo tema está absolutamente vigente.
Didier pasó a ser figura de culto de las comunidades homosexuales del mundo.
Sin quererlo o desearlo, el niño sigue siendo un ícono en esas esferas. Aunque su carrera no se limita a este señero título.
 
En "Los Pianos Mecánicos" : Didier asume el protectorado de un padre medio farrero y cursilón.


Intentando deshacer el idilio de su padre, James Mason, con una sueca, por amor a su mejor amiga.

  
Afiche de la película de Didier, donde hace de un pastorcito guiado por Dios.

 
"La Communale" : al medio con el lápiz en la boca Didier. Se trata de las memorias de un profesor de escuelita rural.
 
Después, rodó en España, "Los Pianos Mecánicos" ( 1965 ) de Juan Antonio Bardem, otro filme maldito donde los haya. 
En esta ocasión, hacía un rol secundario destacado : era el hijito de James Mason, su padre solterón, artista empedernido, que alucina con la bondad de Melina Mercouri, en una villa de pescadores en Caldeya. Todo el filme, está condicionado al rol de Didier , figura clave del conflicto, donde también participa el actor alemán Hardy Krüger.
En una secuencia donde sale a marisquear en un bote, la cámara se engolosina con la belleza púber del muchacho, a tal punto que, su rol parece principal dentro del conjunto. Se reconoce en la fisonomía y el carisma del muchacho, la fragilidad de la infancia, media desprotegida y abandonada por sus pares adultos. También hay dominio de recursos expresivos. Cuando entabla diálogos con Mason, sus alardes infantiles mentalizan la madurez prematura del joven, respecto a las relaciones de los mayores. Pero también sabe ser frágil cuando pierde a uno de sus amigos, o cómico cuando se mete a ayudar, sin saber de las destrezas de la experiencia.
Más adelante, Didier hace "La Communale" ( 1965 ) de Jean L"Hote, una comedia costumbrista que gira alrededor de un profesor rural de básica. 
Con buenos momentos de humor, como la salida frustrada en coche o el baño de tina en el exterior del hogar, Didier resurge con luminosa precosidad.
Tiene chispa en los momentos cómicos, y dulzura en los instantes que se deja regalonear por su sobreprotectora madre.
Pero está mejor en : "Cotolay" ( 1966 ) de José Antonio Nieves Conde, un "biopic" acerca de San Francisco de Asis y sus esfuerzos en Santiago de Compostela hacia 1214, cuando se topa con un pastorcito que lo insta a fundar la Orden Franciscana.  
Vicente Parra y José Bolado, le acompañan con acierto en esta película, que es una mirada costumbrista más simpática que anecdótica, donde Didier está notable como el niño iluminado de Dios.
Vestido a la usanza de la época, con unos ropajes casi derruídos, sabe ser reflexivo,  pero también solidario con los franciscanos que buscan alimento y cobijo. Recuerden la escena de la higuera, donde Didier asume la pureza de su edad, con la picardía y la astucia de un niño travieso.  


Didier aburrido esperando en las afueras de un teatro.


Carismático y versátil, Didier fue un niño prodigio de excepción.
 

Magnífico actor infantil, que mantuvo una carrera por décadas.
 
En la actualidad, Didier también es director y un amante del teatro.


Pese a que después continúo su carrera, destacando en títulos como : "Promesa al Amanecer" ( "Promised at dawn", 1970 ) de Jules Dassin, "Hellé" ( 1972 ), un drama romántico de Roger Vadim y la clásica "El Inocente" ( "L"Inocente", 1976 ) de Luchino Visconti; Didier fue más figura destacada en su infancia, que en su madurez. 
Quizás, porque no tuvo la fortuna de recibir ofertas acordes a su talento, o sencillamente, porque decidió irse por otros derroteros. De hecho, en los setenta, hizo varias apariciones en la televisión en series y programas especiales.
Además, inició una frustrada carrera como realizador, en 1979 con "Paco, el seguro", una comedia rodada en España, al servicio de Alfredo Landa. Remató con dos títulos más : "Elsa, Elsa" ( 1985 ), una comedia romántica; y "Le Plus bel age..." ( 1995 ), un drama sobre las relaciones de pareja en la modernidad. 
Como actor, su última aparición, muy breve, fue en la película "Pas Douce" ( 2007 ).

Martin Lartigue :
El insustituíble "Petite Gibus".




Si hay una película que ningún niño o adolescente debiera perderse es "La Guerra de los Botones" ( "La Guerre des boutons", 1962 ), la segunda versión del director Yves Robert.
En esta historia rural de enfrentamientos infantiles, se  encuentra todo el candor y la frescura de los primeros años. Con una mirada certera y penetrante, es también una dura reflexión al comportamiento egoísta de los padres.  
En esta película, Martin Lartigue ( nacido en 1952, en Saint Tropez, Francia ), cosechó sus primeros pinitos con un éxito inconmensurable.  
Interpreta a "Petite Gibus", el "alma mater" de la historia. Es el más pequeño de los alumnos de la escuela rural francesa, que planean vengarse de los niños de la población vecina, armando la "guerra de los botones", porque el botín de los enfrentamientos, son los botones que arrancan del adversario.


"La Guerra de los Botones" : la naturalidad de los niños en un clásico inolvidable.
 
Armado con un palo y desnudo, para que no lo ataquen sus enemigos en el frente.
 

Con Francois Lartigue, su hermano mayor en la vida real, en una escena de "La Guerra de los Botones".


Probando la "leche de uva", Martin saca carcajadas en esta escena cómica.


Ideal en roles de pícaro con mordiente.



Como "Bebert" el niño le sacaba roncha hasta los tipos más relajados.



En "Bebért et l"omnibus" , sabía ser divertido, inteligente y muy irónico.


En "Bebert...", se le pierde a su hermano mayor cinematográfico a bordo de un tren.


Petite Gibus es un chico colosal, adorable, exquisito en su plasmación del sentido epidérmico del alma infantil. Hay en él, todos los arranques, fobias, groserías, berrinches, sueños y locuras de los niños de su edad. Es la viva imagen de la infancia.
Martin Lartigue contribuyó con su espontaneidad, al logro de esta suculenta historia aderezada de picardía, humor negro, sensibilidad y originalidad en su propuesta.
Su personaje está hecho, desde la propia potencialidad de la personalidad del niño actor. Es decir, todo lo que dice, hace o ejercita frente a las cámaras, está extraído de su propia personalidad. 
Por eso, Martine Lartigue es Petite Gibus. Y Petite Gibus es Martin Lartigue.
Son dos indisolubles personajes que se nutren y crecen con la película.
Después Martin regresó al cine, con una prolongación de su personaje con la comedia "Bébert et le Omnibus" ( 1963 ).
Perdido en un paseo comercial, porque su hermano mayor se distrajo observando chicas bonitas, Bébert sube arriba de un tren y lo adoptan en una estación, donde parece la visita inoportuna de un chico astuto.
A la explosiva sucesión de sketches, se incorpora la figura del niño como potencial destructor de la aparente tranquilidad de los guardavías. 
Chris Columbus debió inspirarse en esta película para elaborar "Mi pobre angelito", porque hay mucho de Bébert en el personaje de Kevin McCallister.
A su vez, la cinta funciona por la celeridad de su trama, que acentúa los enredos de la comedia muda, con la vieja tradición de las viñetas, tipo comic, de personajes de diarios dominicales.
Se trata, de una comedia divertida, punzante, acelerada y rigurosamente anacrónica, que termina tan explosivamente como se inició, con Bébert perdido por culpa de un hermano distraído rompecorazones. 



Martin en la actualidad, recordando sus viejos años de infancia.




Los hermanos Martin y Francois Lartigue, en un evento social. El tiempo pasa, pero quedan los gratos recuerdos del cine.
 
La carrera de Martin no se extendió demasiado. Después de una colaboración que pasó desapercibida en un filme americano, Martin abandonó el cine para siempre. Ni su hermano mayor Francois, con el que trabajó en estas películas, volvió a incentivarlo para continuar una carrera profesional. 
Queda el recuerdo de haberlo visto y revisto en uno de los grandes clásicos del cine infantil : "La Guerra de los Botones", de la cual se han hecho cuatro versiones diferentes. 


Anexo.
 
"La Guerra de los Botones" :
Un clásico de clásicos. 


Los protagonistas de la mítica "La Guerra de los Botones" de 1962, en un plano en contrapicado.

¿ Que hace tan grande una película infantil, como la que comentamos hoy día?
Su encanto está en la naturalidad y la certera visión que extrae del universo de los niños. Sin retoques, ni artificios muy evidentes, "La Guerra de los Botones" ha atraído a la cinematografía en cuatro oportunidades. 
La primera versión data de 1936, "La Guerre des Gosses", dirigida por Jacques Daroy. Modesta, elaborada en estudio, perdida, fue la base que recuperó el cineasta Yves Robert, para su obra maestra "La Guerre des boutons" en 1962.
Basada en la novela de Louis Pergaud, profesor rural y escritor, cuya obra fue publicada por primera vez en 1912.
La historia de un grupo de niños de una campiña francesa, en constante disputa con sus pares de un villorio vecino, imitando la actitud que tiene sus padres con los padres de aquellos, dió para otras dos versiones cinematográficas.
"La Guerra de los botones" de 1994, desarrollada en los hermosos parajes irlandeses, rescató la esencia de la película original, y le agregó un aire localista que demuestra la universalidad de la idea central.
El director dublinense John Roberts, contó con la ayuda del productor David Puttman ( "Carros de Fuego" ), para elaborar una cuidadosa recreación de los conflictos infantiles, sin dejar de lado, el humor, el drama, la comedia y el sentido de afianzamiento de personalidad, que tienen los niños del relato.
Recién el año pasado, se estrenó en Francia, la última versión : "La nouvelle Guerra des boutons" ( 2011 ), que cuenta con la producción del refutado Christopher Barratier ( "Los Coristas" ), y donde se recupera el gracejo , la gracia ostensible del relato púber, los juegos traviesos de los muchachos, incluídos sus simpáticas irrupciones belicistas. 
Esta vez, reapareció "Petite Gibus" en la figura de un actorcito, Clément Godefroy, que tiene la particularidad de parecerse demasiado a Martin Lartigue. 
Cosas del destino. No cabe duda que, la obra sigue despertando el interés de los espectadores de todo el mundo. Adultos con alma de niño. Niños con deseos de crecer rápidamente para alzar el vuelo. 


La versión de 1962, acentuaba el conflicto con una constante neurosis en los padres de los muchachos.


La película se beneficiaba del enorme talento natural de un puñado de chicos rurales.

 La Versión Irlandesa.

Afiche de la película que data de 1994.

El conflicto infantil se trasladaba a los hermosos parajes dublinenses.


 
 La Nueva versión Francesa.


Uno de los afiches de la nueva versión de la película infantil.
 
Estrenada en el 2011, "La nueva guerra de los botones", recupera parte del encanto de la segunda versión.


















Distintos adelantos fotográficos con la nueva producción francesa, que se inspira en el gran clásico infantil.

El nuevo "Petite Gibus", el actorcito Clément Godefroy.


Otro afiche promocional de la nueva versión del cuento de Louis Pergaut.

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